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Gaetano Pesce: da experimentação ao design-desejo, redesenhou fronteiras entre arte e indústria

“O modernismo é menos um estilo do que um método que se presta a interpretar o presente e sugerir o futuro em que a individualidade é preservada e celebrada”. Este é o pensamento que guiou toda a obra do arquiteto e designer italiano Gaetano Pesce, que nos deixou no início de abril.

Radical em seu experimentalismo, promovia o design como meio e forma de comunicação com a sociedade. Sem concessões, fez em seis décadas de trabalho de tudo um pouco e deixou um dos mais importantes legados na história na arquitetura e do design. A DW! celebra a memória de Pesce com um pouco de sua história e seus ícones.

O jovem visionário

Nascido em 1939 em La Spezia, cidade portuária italiana da Ligúria, foi em Veneza que cursou arquitetura de 1958 a 1963 – na IUAV e no Istituto di Disegno Industriale. À época, o lugar unia a educação oferecida por professores modernistas e a tradição da artesania do vidro, em Murano. Dali, olhou o Modernismo com criticidade e a manualidade como algo intrínseco à criação.

Em Nobody’s Perfect (2022), Gaetano Pesce aponta “a impossibilidade de um design verdadeiramente perfeito” com a linha da qual faz parte essa cadeira moldada à mão em moldes sem uniformidade de cores ou dimensões. O assento faz parte da exposição Dear Future, The Future Perfect (2023) | Foto: Divulgação
Golgotha (1972), segundo o designer italiano Fulvio Ferrari, “a cadeira faz parte da série Gólgota, um projeto focado em motivos bíblicos como a Paixão de Cristo, a Última Ceia e o Sudário”, em duas versões com encosto alto ou baixo, “o assento é formado por tecido de fibra de vidro, acolchoado com fibras de poliéster, pulverizado com resina epóxi e colocado sobre um cubo de 45 centímetros de altura, enquanto o encosto pende em dois ganchos. Antes que a resina endurecesse completamente, uma pessoa sentou-se sobre ela por alguns momentos para moldá-la, cada vez de uma maneira diferente”. As peças foram desenvolvidas por Pesce como experimentações no Bracciodiferro | Foto: Divulgação
UP 5&6 (2022), versão limitada em cortiça maciça da poltrona desenhada por Pesce em 1969 e que surgiu como uma crítica ao machismo e à misoginia da sociedade | Foto: Divulgação
Feltri (1987), a poltrona disponível em diversas cores é produzida pela Cassina inteiramente em feltro de lã grosso, com encosto envolvente e moldável. Feita através de técnica patenteada pela marca, Feltri ainda hoje é um símbolo de design de vanguarda | Fotos: Divulgação
La consolle dell’uomo stanco (2018), móvel para organização que alude ao cansaço dos homens. Em 2024, a peça ganhou uma versão monumental, durante a Semana de Design de Milão | Foto: Divulgação
Organic Building, Osaka, Japão (1989), o projeto de Gaetano Pesce criou uma nova tipologia, um jardim vertical estruturado em placas de aço inox com estruturas para irrigar e drenar as plantas cultivadas | Foto: John Paul See/ Reprodução
Montanara (2009), produzida pela Meritalia, em poliuretano flexível com estofado em tecido de algodão estampado digitalmente, retratando temas como lagos e montanhas | Foto: Divulgação
Moloch (1970-1), desenhada por Pesce à época do estúdio Bracciodiferro, faz referência à luminária de mesa L1 (1937), assinada por Jac Jacobsen - e que inspirou a lampadazinha da Pixar – em versão para piso, com mais de dois metros de altura. Moloch faz parte do acervo permanente do MoMA que indica que “Pesce fez a luminária grandiosa a fim de chamar a atenção para o desejo que algumas pessoas sentem de comprar muitas coisas” | Foto: Divulgação
Shadow (2007), a poltrona foi desenhada para a Meritalia que a produziu em série limitada, reeditando o design posteriormente. Feita com resina de poliuretano despejada em um ‘saco’ de vinil. A forma é dada pelo endurecimento da resina responsivo a ação de sentar, criando um molde personificado | Foto: Divulgação
Torre Pluralista (1987), projeto pensado para São Paulo que, de acordo com Pesce em entrevista à Abitare, “é um monumento à democracia. Um arranha-céu com 40 andares incoerentes e não homogêneos, construídos por diferentes arquitetos com linguagens distintas. Isto para dar voz à variedade de pessoas que vivem nesses espaços” | Imagens: Divulgação

 

Em Padova, cidade próxima, participou do Gruppo N – Ennea que, na vanguarda dos anos 1960, estava atrelado aos conceitos defendidos pela Bauhaus: a Gestaltpsychologie ou psicologia da forma, pela qual percebiam o mundo e a ele respondiam. Composto por nove jovens, ficou conhecido pela arte cinética e seriada, reunindo designers experimentais e que pesquisavam de forma coletiva.

O grupo se caracterizava por uma provocação radical, que colocava em xeque o artista e a obra de arte feitos para um consumo elitista e mercadológico. Pesce participou da elaboração de uma das performances do coletivo, Mostra del Pane, na qual um padeiro apresentava o pão feito e assado, como uma obra de arte, por apenas um dia.

A essa altura, a provocação que o acompanharia por toda a carreira já estava nele instalada, era sua idiossincrasia. Assim, a dimensão do significado fez, desde o início da vida profissional, parte da criação de Pesce. Ele via o design para além do tangível.

Ao longo de seis décadas, Gaetano revolucionou os mundos da arte, design, arquitetura e os espaços limiares entre essas categorias. Sua originalidade e coragem são igualados por nenhum”, diz o texto que anunciou sua morte, no Instagram do mestre.

L’incoerenza

Gaetano Pesce foi também professor, lecionando por 28 anos no Institut d’Architecture et d’Etudes Urbaines em Estrasburgo, na França. Esporadicamente, ministrava aulas em outras instituições pelo mundo, inclusive no Brasil. Foi arquiteto, designer e urbanista, mas sobretudo um pensador da realidade.

Em entrevista à Abitare, para Elisabetta Colombo, afirmou: “Por que gosto de materiais macios? Considero-os uma expressão deste tempo líquido, em que os valores mudam constante e rapidamente”. 

Compreendia que a arquitetura e o design deviam ser responsivos à sociedade e as suas diversas histórias e culturas. Pensava no objeto de forma singular, dedicado a uma pessoa, como algo a ser incorporado a uma biografia expandida do sujeito. Por isso, propunha, como o fez em 1965, segundo a Interni, um design radical. Partindo da teoria sobre l’incoerenza (a inconsistência), compreendia a singularidade criativa como algo que não é determinado por uma única conexão e interdependência entre as partes. Trata-se de uma teoria que aceita as imperfeições ou supostos erros de produção, reflete o tempo e o lugar do agora e compreende a necessidade da mudança, da liberdade e da não-repetição.

Para tanto, fundaria no início da década de 1970 a Bracciodiferro, a convite de Cesare Cassina e em conjunto com Alessandro Medina, com a ideia de produzir objetos experimentais.

Desta época, surge a “[luminária] Moloch [como] um objeto ‘útil’, mais do que radical, uma reinterpretação, quadruplicada em proporções, do arquétipo da luminária de mesa L1 (1936-1937), da Luxo ASA, do [designer nurueguês] Jac Jacobsen, apreciada pela sua forma muito funcional”, aponta Anty Pansera em um texto publicado na Domus.

Acreditava que sua criação era simples e direta, facilmente compreendida, como afirmou em entrevista à Cristina Giorni na revista DentroCasa, em julho de 2017.

“Geralmente [sou facilmente compreendido], porque meus trabalhos são quase sempre simples e diretos. Por exemplo, aquela poltrona – indicando a produção da UP B&B Italia -, que já tem quase meio século, diz que as mulheres são escravas dos preconceitos e medos dos homens. É fácil de entender, sim ou não?” 

Simples, mas nem sempre fácil, seu design tornou-se uma experiência global, que redesenhou e repensou as fronteiras entre arte, design e indústria.

Desafiando limites entre design, arte e indústria

Suas peças estão atualmente em mais de 30 coleções permanentes de museus importantes, como o MoMA – começando pela mostra Italy: The New Domestic Landscape em 1972; o Victoria&Albert; o Vitra Design e o Louvre. Há inúmeros livros publicados sobre sua obra, carreira, vida e pensamento, como Gaetano Pesce: The Complete Incoherence. Recebeu diversos prêmios, a exemplo do Chrysler Award for Innovation and Design de 1993; do Architektur and Wohnen Designer of the Year em 2006 e do Lawrence J. Israel Prize, concedido pelo Fashion Institute of Technology de Nova York em 2009.

Desde os anos 1980, radicou-se em Nova York e continuou a produzir móveis para grandes casas como a Cassina e a B&B Itália. Também realizava desenhos e murais, a exemplo do My Dear Mountain, em Aspen, de 2022; e projetos que traduziam uma visão utópica, como a Torre Pluralista em 1987, pensada para São Paulo (confira na galeria de imagens no início desta matéria). Sua obra incluía ainda propostas de design-arte para diversas exposições, bem como instalações e collabs com maisons e marcas de moda para os mais variados perfis, desde a Bottega Veneta até a Melissa – para esta, criou o modelo customizável Fontessa, em 2010 (confira no vídeo acima).

Foi profícuo até o fim de sua vida, mesmo enfrentando problemas de saúde. Em 2024, cerca de 30 obras coloridas – a maior parte inédita e produzida nos dois anos anteriores – foram apresentadas na mostra-testamento Nice to See You, na Biblioteca Ambrosiana de Milão, durante o FuoriSalone. Diante do edifício na Piazza San Pio XI, a escultura all’Uomo Stanco com oito metros de altura exibe um homem cansado, talvez de sua própria postura contemporânea, e que dialoga com a Maestà Sofferente (foto de abertura) instalada em frente ao Duomo, em 2019. Seu legado segue potente, singular e profundamente inspirador, com uma visão criativa que transformou para sempre o design como conhecemos.

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